Aldo Ciccolini, né à Naples le 15 août 1925, est un pianiste classique italien naturalisé français en 1971.
Aldo Ciccolini est un interprète majeur de notre époque.
Il a étudié à Naples avec Paolo Denza (élève de Ferruccio Busoni) , Achille Longo, puis avec Marguerite Long et Alfred Cortot à Paris. Son talent a fait l'objet de discussions passionnées entre ses maîtres : le directeur du Conservatoire de Naples, Francesco Cilea, obtint une dispense ministérielle pour l'admettre en classe de composition à l'âge de neuf ans, car Achille Longo le pressentait compositeur mais Paolo Denza voyait déjà en lui le pianiste d'exception que nous connaissons.
Il fait ses débuts au Théatre San Carlo de Naples en 1941. Il arrive à Paris en 1949 et remporte le premier prix du concours Marguerite-Long-Jacques-Thibaud.
Sa profonde connaissance des textes musicaux est portée par un génie sonore qui met en lumière les aspects les plus intimes d'une œuvre.
Ardent défenseur de la musique française pour piano (Ravel, Debussy, Satie mais aussi d'autres, moins connus, Séverac, Massenet, Alkan, Castillon, Chabrier) .
Aldo Ciccolini se produit avec les plus grands chefs d'orchestre tels que Wilhelm Furtwängler, Dimitri Mitropoulos, Erich Kleiber, Dmitri Chostakovitch, Pierre Monteux, Sergiu Celibidache, Carlo Maria Giulini, Charles Munch, André Cluytens, Lorin Maazel, Zubin Mehta.
Il est également un lisztien convaincu.
Il a fait plus de cent enregistrements discographiques.
Il acquiert la nationalité française en 1971 puis enseigne au Conservatoire National Supérieur de Musique de Paris de 1971 à 1988 où il forme avec rigueur et générosité les nouvelles générations (Akiko Ebi, Géry Moutier, Jean-Yves Thibaudet, Artur Pizzaro, Marie-Josèphe Jude, Nicholas Angelich) , révélant ainsi une vocation de pédagogue à laquelle il n'a jamais renoncé puisqu'il donne encore des master classes.
Sophie DUFEUTRELLE a poursuivi ses études de flûte avec Fernand Caratgé à l’École Normale de Musique de Paris, et avec Pierre-Yves Artaud. Nommé professeur de flûte traversière à l’École Nationale de Musique de Villeurbanne en 1980, elle avoue son intérêt pour les univers musicaux les plus divers : musique ancienne et contemporaine, musique traditionnelle sud-américaine, direction de chœurs ou d’ensembles instrumentaux, pratique de la percussion, enregistrements de disques, participation à des spectacles vivants et, en tant que musicienne-comédienne, à des pièces de théâtre musical. Outre qu’elle compose pour des formations où la flûte occupe une place de choix, Sophie Dufeutrelle est aussi l’auteur d’ouvrages pédagogiques régulièrement utilisés dans les conservatoires et écoles de musique, qui témoignent de l’originalité de sa démarche. Elle a publié onze volumes d’enseignement aux Éditions Notissimo/Leduc.
Libera est un groupe vocal composé de garçons, dirigé par Robert Prizeman, dont le nom provient de leur chanson Libera, basée sur le Libera Me de la messe de Requiem. La plupart des garçons de Libera proviennent du chœur de la paroisse St. Philips de Norbury, au Sud de Londres.
Les albums, les tournées et les apparitions télévisées que les garçons font en tant que Libera s'ajoutent au service choral de la paroisse. Si leur nombre varie d'une année sur l'autre, Libera compte environ trente garçons de sept à seize ans, en comptant les nouveaux qui ne sont pas encore prêts à participer aux albums ou aux tournées. Dix-neuf garçons ont participé à la tournée américaine en 2008. Vingt-quatre garçons ont chanté pour leur dernier album, New Dawn.
Née aux Etats-Unis, c’est dans les chœurs religieux et scolaires que Barbara Hendricks commence à chanter, avant d’entreprendre des études scientifiques. A l’âge de 20 ans, après avoir obtenu une licence de mathématiques et de chimie à l’université du Nebraska, elle débute ses études musicales à la célèbre Juillard School of Music à New-York, où Maria Callas est l’une de ses professeurs.
Entre 1970 et 72, elle remporte de nombreux prix, qui la propulsent sur le devant de la scène. En 74, elle fait ses débuts sur la scène internationale, notamment à l’Opéra de San Francisco et en Europe, au Festival de Glynderbourne. Barbara Hendricks poursuit sa carrière, parcourant les plus prestigieuses scènes et les rôles les plus illustres, des classiques français aux chefs-d’œuvre italiens.
Elle fait ses débuts au cinéma dans le rôle de Mimi dans la Bohème de Comencini en 1988 et en 1999, elle est membre du Jury présidé par David Cronenberg au Festival de Cannes. Depuis 1987, Barbara Hendricks est engagée dans l’humanitaire : elle est ambassadrice des Nations Unies et s’active particulièrement pour la cause des réfugiés de guerre. Après 15 ans de lutte auprès du Haut Commissariat pour les Réfugiés, elle est nommée Ambassadrice honorifique à vie.
En 1986, elle reçoit la Croix du Commandeur des Arts et des Lettres remis par le gouvernement français et en 1993, François Mitterrand lui décerne la Légion d’honneur.
Au long de sa carrière, elle reçoit de nombreux prix prestigieux tant sur le plan artistique que pour ses activités dans l’humanitaire.
En 2008, Barbara Hendricks surprend : on la retrouve sur grand écran dans le drame d’ Amos Gitaï aux côtés de Juliette Binoche et Jeanne Moreau , Désengagement . Film pour lequel ses talents de chanteuses sont aussi mis en avant, puisqu’elle interprète certaines chansons de la bande originale.
Frédéric Hartmann, flûtiste interprète de formation classique , improvisateur et compositeur développe une activité de création très personnelle. Outre l'album de création " Terre oeuvre vivante" salué par des personnalités de la flûte telles que P.Y.Artaud, Jean-Louis Beaumadier et Pierre-Alain Biget, Frédéric Hartmann compte dans son catalogue des pièces pour orchestre d'harmonie, orchestre de flûtes, "Spirludes" créée par l'Orchestre Français de flûtes, quintette de flûtes créé par l'ensemble "Les flûtes littorales" , " Légendes...l'ïle..." commande de l'Orchestre régional de flûtes du Nord-Pas-de- Calais, des pièces pour flûte seule et pour flûte et piano.
Les deux albums présents sur Airtist présentent l'un des improvisations en solo et l'autre des"improcompositions" réalisées en rerecording au studio Gold à Paris.
Différentes commandes en cours de réalisation seront crées et éditées cette année.
Merakhaazan est un projet solo s'articulant autour de la contrebasse et de ses possibilités sonores. Merakhaazan propose aussi des expériementations sonores sur les films cultes comme “Metropolis” de Fritz Lang, “Le Chien Andalou” de Luis Bunuel et “Nosferatu” de Friedrich Murnau.
Anne-Sophie Mutter est une violoniste allemande, née le 29 juin 1963 à Rheinfelden, dans le Bade-Wurtemberg.
Elle commence le piano à cinq ans, puis le violon peu après, et elle gagne dès sept ans le concours fédéral de la jeunesse musicale avec la mention d'excellence. Elle gagne le même concours une seconde fois en 1974, puis est dispensée d'obligation scolaire, ce qui lui permet de se consacrer pleinement à son art. Anne-Sophie Mutter va étudier avec Erna Honigberger, éleve de Carl Flesch, puis avec Aida Stucki.
À treize ans, elle est remarquée par Herbert von Karajan, qui la fait jouer avec l'Orchestre philharmonique de Berlin. Elle joue ensuite en 1977 au festival de Pâques et au festival d'été de Salzbourg puis en Angleterre avec le English Chamber Orchestra dirigé par Daniel Barenboim.
C'est en février 1978, à quatorze ans, qu'elle se produit pour la première fois en soliste avec l'Orchestre philharmonique de Berlin. Elle interprète le concerto pour violon et orchestre en sol majeur de Mozart. La même année, à quinze ans, elle fait son premier enregistrement pour la Deutsche Grammophon : les concertos n° 3 et 5 de Mozart avec l'Orchestre philharmonique de Berlin dirigé par Karajan, enregistrement qui se verra décerner le grand prix international du disque l'année suivante. Elle est nommée artiste de l'année 1979.
En 1980, Anne-Sophie Mutter fait sa première apparition aux États-Unis, avec l'Orchestre philharmonique de New York dirigé par Zubin Mehta. Elle gagne la même année le Regio-Preis fur Musik et un Maschera d'Argento.
En 1983, elle devient présidente honoraire de la Mozart Society de l'Université d'Oxford et en 1986, elle est décorée de l'Ordre du Mérite de RFA.
L'année 1988 est consacrée à une grande tournée aux États-Unis et au Canada et Anne-Sophie Mutter fait alors sa première apparition au Carnegie Hall. Elle est également nommée citoyenne d'honneur de Wehr.
En 1989, elle se marie avec Detlef Wunderlich, qui mourra en 1995 d'un cancer. En 1990, Anne-Sophie Mutter décide de prendre une année sabbatique. Arabella, son premier enfant, naît. Son deuxième enfant, Richard, naît en 1994.
En 1998, Anne-Sophie Mutter se consacre entièrement aux sonates pour piano et violon de Beethoven, qu'elle joue dans le monde entier avec Lambert Orkis. Ils enregistrent un disque en public, comprenant l'intégralité des sonates.
En 2002, elle se remarie avec le pianiste et chef d'orchestre américain André Previn dont elle divorce quatre ans plus tard, en 2006.
Anne-Sophie Mutter est très impliquée dans la musique actuelle, à la fois parce qu'elle compte de nombreuses pièces récentes dans son répertoire, dont elle est pour certaines la dédicataire, et par le soutien qu'elle apporte au jeunes solistes, notamment par l'intermédiare de la fondation Anne-Sophie Mutter, qui aide les jeunes du monde entier à débuter dans le métier.
Elle participe aussi à beaucoup d'œuvres de charité, et fait régulièrement des concerts de solidarité. Elle a par exemple reversé une partie des bénéfices d'une de ses tournées aux États-Unis à Classical Action: Performing Arts Against AIDS.
Anne-Sophie Mutter possède deux Stradivarius, l' Emiliani de 1703 et le Lord Dunraven de 1710 et également un violon du luthier contemporain bolognais Roberto Regazzi.
"C'est la révélation du siècle!" proclamait son bienfaiteur Herbert von Karajan.
Renaud Capuçon est un violoniste français, né le 27 janvier 1976 à Chambéry.
Il entre au conservatoire de sa ville natale à quatre ans, puis il intègre le Conservatoire national supérieur de musique de Paris à l'âge de 14 ans dans la classe de Gérard Poulet. Il en ressort trois ans plus tard avec un premier prix de musique de chambre et un premier prix de violon.
Durant les années qui suivent, il participe à de nombreux concours internationaux, et intègre l'Orchestre des Jeunes de la Communauté Économique Européenne, puis l'Orchestre des Jeunes Gustav Malher (en tant que premier violon) sous la direction de Claudio Abbado.
Il entreprend en parallèle une carrière de soliste, mais également de chambriste en jouant notamment avec Nicholas Angelich, Jérôme Ducros, Frank Braley, Hélène Grimaud, Gérard Caussé, ainsi qu'avec son frère Gautier (violoncelliste) .
En 1996, il fonde un Festival à La Ravoire à côté de Chambéry, les Rencontres Artistiques de Bel-Air. Ce festival accueillera pendant près de dix ans les plus grands chambristes internationaux comme Jean-Pierre Wallez, Michel Dalberto, Nicholas Angelich, Stephen Kovacevich, Augustin Dumay, Gérard Caussé, Paul Meyer, Emmanuel Pahud, Marielle et Katia Labèque, etc.
Il a, entre autres, enregistré de la musique de chambre de Ravel, Schubert, Brahms, ainsi que les concertos pour violon de Schumann et de Mendelssohnn sous la direction de Daniel Harding.
Il a reçu, en 2006, le Prix de violon "Georges Enesco" de la Sacem. Il est à l'heure actuelle sous contrat avec Virgin Classic.
Après avoir joué sur un Vuillaume, un Guadanini, puis sur un Stradivarius, il s'est vu prêter par la Banque de Suisse Italienne BSI un Guarnerius, le « Panette », de 1737 ayant appartenu à Isaac Stern.
Ses différents prix : il obtient en 1992 un Premier Prix de musique de chambre et en 1993 un Premier Prix de violon au CNSM de Paris puis, en 1995, le Prix de l’Académie des Arts de Berlin. En 2000, il est nommé Rising Star et Nouveau talent de l’Année aux Victoires de la Musique, qui lui décernent en 2005 le titre de «Soliste instrumental de l’année». En 2006, Prix Georges Enesco décerné par la Sacem.
Gautier Capuçon est un violoncelliste français né le 3 septembre 1981 à Chambéry.
Musicien très précoce, il remporte en 1998 le Premier Prix de l’Académie internationale de musique Maurice Ravel de Saint-Jean-de-Luz et, les années suivantes, plusieurs récompenses d'envergure internationale. Interprète de musique de chambre ou soliste d'orchestre, Gautier Capuçon est partenaire de quelques-uns des interprètes les plus prestigieux de notre époque : son frère Renaud Capuçon au violon, et les pianistes Nicholas Angelich, Martha Argerich, Daniel Barenboïm, Stephen Kovacevich, Frank Braley, Hélène Grimaud, Marielle et Katia Labèque, entre autres) . Il interprète aussi bien le répertoire classique que romantique et moderne : Beethoven, Brahms, Chostakovitch, Haydn, Ravel, Saint-Saëns, Schubert, ...Il a épousé en septembre 2007, Delphine Borsarello, violoncelliste, deuxième des six enfants de Jean-Luc Borsarello, le violoniste
Ses enregistrements sont édités chez EMI Classics et Virgin Classics.
Nicholas Angelich est un pianiste américain né en 1970.
Il débute l'étude du piano à l'âge de cinq ans avec sa mère et donne son premier concert à sept ans avec un orchestre de chambre, jouant le Concerto pour piano n° 21 en do majeur, K.467, de Mozart. Venu en France à l'âge de treize ans il intègre le Conservatoire national supérieur de musique de Paris où il a comme professeurs Aldo Ciccolini, Yvonne Loriod, Michel Béroff et Marie-Françoise Bucquet.
Second prix du Concours international de piano Robert Casadesus à Cleveland, il obtient le premier prix du concours international de piano Gina Bachauer en 1994. En 2002 il reçoit le prix du meilleur jeune talent au Festival international de piano de la Ruhr. Il s'illustre avec les grands orchestres français sous la direction de Myung-Whun Chung et David Robertson, se produit avec Kurt Masur (New York Philharmonic, 2003 puis Orchestre national de France, 2004) . Son enregistrement des trios de Brahms avec les frères Renaud et Gautier Capuçon lui vaut en 2004 un Prix Schallplatten (Virgin classics) .
En septembre 2007, il a joué le Concerto pour piano n° 2 de Saint-Saëns, avec l'Orchestre français des jeunes, sous la direction de Jean-Claude Casadesus lors d'un concert au Théâtre des Champs-Elysées à Paris.
Ayako Uehara (née en 1980 à Takamatsu, préfecture de Kagawa, Japon) est une pianiste classique.
Elle a gagné le second prix au Concours international de piano de Sydney en 2000. En 2002, elle devient la première femme (et première citoyenne japonaise) à remporter le premier prix au prestigieux Concours international Tchaïkovski à Moscou.
Herbert von Karajan, né à Salzbourg le 5 avril 1908, décédé à Anif près de Salzbourg le 16 juillet 1989, est un chef d'orchestre autrichien.
Spécialiste du répertoire austro-germanique et mitteleuropéen de Bach à Bartok ainsi que de l'opéra italien, il a laissé près d'un millier d'enregistrements chez Deutsche Grammophon, EMI et Decca, ce qui en fait un des chefs les plus enregistrés du XXe siècle.
Karajan a exploré un très vaste répertoire allant du baroque jusqu'à la musique du XXe siècle. Il a déclaré à l'occasion de la parution de son enregistrement de l'opéra Pelléas et Mélisande de Claude Debussy, qu'il n'a enregistré qu'une seule fois après l'avoir plusieurs fois dirigé à la scène, qu'il s'agissait de son ouvrage préféré. Il a confié lors d'une entrevue à la radio France-Musique qu'il était en osmose avec cette œuvre comme s'il l'avait écrite, et qu'avant de l'enregistrer pour EMI, il avait dit aux musiciens de l'orchestre (le Philarmonique de Berlin) que tout ce qu'ils avaient fait avec lui jusque là n'était qu'une préparation à l'enregistrement de Pelléas.
Toutefois, son nom reste surtout attaché aux « piliers » du répertoire germanique. Son répertoire est en fait celui des autres chefs de sa génération, voire plutôt de la génération précédente. S'il montre dans Mozart, surtout dans les années 1950, un naturel assez nouveau, ni Schubert ni Schumann ne font vraiment partie de son univers. Ses interprétations de Haydn, et plus encore de Bach, ne sont pas de sa spécialité. Les œuvres du vingtième siècle qu'il a dirigées étaient soigneusement choisies : le Concerto pour orchestre de Bartók, Le Sacre du printemps de Stravinski, la 10° symphonie de Chostakovitch et quelques autres (Honegger, Nielsen) . Dans les années 1970, il ajoute à son répertoire quelques œuvres de l'« École de Vienne » et de Gustav Mahler (symphonies n° 4, 5, 6, 9 et Le Chant de la terre) . Avec Bruckner également, il entretient la même relation que des chefs nés quinze ans avant lui : si ses 4°, 5°, 7°, 8° et 9° symphonies font partie du cœur de son répertoire, il ne s'aventure que rarement dans les autres, qui semblent moins bien lui convenir. En définitive les compositeurs qu'il a le plus pratiqués, le plus exhaustivement et dans lesquels il est le plus reconnu sont Beethoven, Brahms, Wagner et peut-être Richard Strauss.
Concernant son style de direction, il appartient à une génération de chefs germaniques de culture et d'école mais influencés par quelques chefs latins, italiens surtout : tout particulièrement Toscanini et De Sabata. Par rapport à des chefs d'une génération antérieure, cela se traduit par des tempos plus stables et une plus grande transparence, tout en conservant un son orchestral de culture germanique, large et puissant. Même si le style de Karajan a évidemment évolué au cours de sa carrière, on peut dire que ces caractéristiques se sont maintenues, avec toutefois une prédilection croissante pour le legato et le son.
Tout jeune, Nigel Kennedy est repéré par Yehudi Menuhin, qui lui ouvre les portes de son école tous frais payés. L'enfant prodige traverse l'Atlantique pour intégrer la prestigieuse Juilliard School de New York, sous l'égide de Dorothy Delay, l'une des meilleures violonistes américaines. Dirigé par Riccardo Muti, il rejoint en 1977 les rangs de l'Orchestre philharmonique de Londres, puis de celui de Berlin en 1980. Il réalise son premier enregistrement quatre ans plus tard, les concertos pour violon d'Edward Elgar, avec l'Orchestre philharmonique de Londres et Vernon Handley : c'est un succès spectaculaire, 300.000 exemplaires se vendent comme des petits pains, avec un disque d'or à la clé. Son parcours atypique le place aux côtés des plus grands chefs d'orchestre mais aussi de Paul McCartney et Kate Bush. Les amateurs de musique du monde entier s'arrachent son interprétation ébouriffante des 'Quatre Saisons' de Vivaldi, qui atteint des records de vente. Une intervention chirurgicale à la nuque le force à se retirer de la scène pendant cinq ans : il en revient transformé, la maturité de son jeu laisse les critiques sans voix, tout comme son nouveau style, un mélange de musique celtique, de pop et de rock. Hommage à Jimi Hendrix, duo avec Lynn Harrell, enregistrements de Bach et Ravel, chacune des entreprises de Nigel Kennedy est couronnée de succès, et les salles ne désemplissent pas.
Maria Callas est une cantatrice américaine, née à New York le 2 décembre 1923 et morte à Paris le 16 septembre 1977.
Artiste culte, surnommée « la Bible de l'opéra » par Léonard Bernstein, « la Callas » a profondément marqué l'art lyrique du XXe siècle en bouleversant l'approche du jeu d'acteur. Entourée des plus éminents artistes du siècle (Boris Christoff, Mario del Monaco, Giuseppe Di Stefano, etc.) et s'étant produite sur les plus grandes scènes d'opéra (New York, Londres, Paris, Milan, Venise, Rome, Buenos Aires, Mexico, etc.) , Callas est encore aujourd'hui l'une des cantatrices les plus célèbres au monde, à la fois par le timbre très particulier de sa voix, son registre étendu, son extrême virtuosité alliée à un phrasé à nul autre pareil et son immense talent de tragédienne, lui permettant d'incarner littéralement les personnages qu'elle interprétait.
Décriée par certains, adulée par les autres, Callas reste, tant par la réussite exceptionnelle de sa vie professionnelle que par sa vie privée mouvementée, l'icône même de la « Diva ».
Le hautboïste Christoph Hartmann, est né en 1965, et vient de Landsberg.
Il a commençé son parcours musical comme étudiant au conservatoire de Leopold Mozart à Augsbourg, a continué plus tard ses études au conservatoire à Munich et a obtenu ses diplomes.
Directement après les études, il enseignait lui-même au conservatoire munichois.
Aldo Ciccolini, né à Naples le 15 août 1925, est un pianiste classique italien naturalisé français en 1971.
Aldo Ciccolini est un interprète majeur de notre époque.
Il a étudié à Naples avec Paolo Denza (élève de Ferruccio Busoni) , Achille Longo, puis avec Marguerite Long et Alfred Cortot à Paris. Son talent a fait l'objet de discussions passionnées entre ses maîtres : le directeur du Conservatoire de Naples, Francesco Cilea, obtint une dispense ministérielle pour l'admettre en classe de composition à l'âge de neuf ans, car Achille Longo le pressentait compositeur mais Paolo Denza voyait déjà en lui le pianiste d'exception que nous connaissons.
Il fait ses débuts au Théatre San Carlo de Naples en 1941. Il arrive à Paris en 1949 et remporte le premier prix du concours Marguerite-Long-Jacques-Thibaud.
Sa profonde connaissance des textes musicaux est portée par un génie sonore qui met en lumière les aspects les plus intimes d'une œuvre.
Ardent défenseur de la musique française pour piano (Ravel, Debussy, Satie mais aussi d'autres, moins connus, Séverac, Massenet, Alkan, Castillon, Chabrier) .
Aldo Ciccolini se produit avec les plus grands chefs d'orchestre tels que Wilhelm Furtwängler, Dimitri Mitropoulos, Erich Kleiber, Dmitri Chostakovitch, Pierre Monteux, Sergiu Celibidache, Carlo Maria Giulini, Charles Munch, André Cluytens, Lorin Maazel, Zubin Mehta.
Il est également un lisztien convaincu.
Il a fait plus de cent enregistrements discographiques.
Il acquiert la nationalité française en 1971 puis enseigne au Conservatoire National Supérieur de Musique de Paris de 1971 à 1988 où il forme avec rigueur et générosité les nouvelles générations (Akiko Ebi, Géry Moutier, Jean-Yves Thibaudet, Artur Pizzaro, Marie-Josèphe Jude, Nicholas Angelich) , révélant ainsi une vocation de pédagogue à laquelle il n'a jamais renoncé puisqu'il donne encore des master classes.
Herbert von Karajan, né à Salzbourg le 5 avril 1908, décédé à Anif près de Salzbourg le 16 juillet 1989, est un chef d'orchestre autrichien.
Spécialiste du répertoire austro-germanique et mitteleuropéen de Bach à Bartok ainsi que de l'opéra italien, il a laissé près d'un millier d'enregistrements chez Deutsche Grammophon, EMI et Decca, ce qui en fait un des chefs les plus enregistrés du XXe siècle.
Karajan a exploré un très vaste répertoire allant du baroque jusqu'à la musique du XXe siècle. Il a déclaré à l'occasion de la parution de son enregistrement de l'opéra Pelléas et Mélisande de Claude Debussy, qu'il n'a enregistré qu'une seule fois après l'avoir plusieurs fois dirigé à la scène, qu'il s'agissait de son ouvrage préféré. Il a confié lors d'une entrevue à la radio France-Musique qu'il était en osmose avec cette œuvre comme s'il l'avait écrite, et qu'avant de l'enregistrer pour EMI, il avait dit aux musiciens de l'orchestre (le Philarmonique de Berlin) que tout ce qu'ils avaient fait avec lui jusque là n'était qu'une préparation à l'enregistrement de Pelléas.
Toutefois, son nom reste surtout attaché aux « piliers » du répertoire germanique. Son répertoire est en fait celui des autres chefs de sa génération, voire plutôt de la génération précédente. S'il montre dans Mozart, surtout dans les années 1950, un naturel assez nouveau, ni Schubert ni Schumann ne font vraiment partie de son univers. Ses interprétations de Haydn, et plus encore de Bach, ne sont pas de sa spécialité. Les œuvres du vingtième siècle qu'il a dirigées étaient soigneusement choisies : le Concerto pour orchestre de Bartók, Le Sacre du printemps de Stravinski, la 10° symphonie de Chostakovitch et quelques autres (Honegger, Nielsen) . Dans les années 1970, il ajoute à son répertoire quelques œuvres de l'« École de Vienne » et de Gustav Mahler (symphonies n° 4, 5, 6, 9 et Le Chant de la terre) . Avec Bruckner également, il entretient la même relation que des chefs nés quinze ans avant lui : si ses 4°, 5°, 7°, 8° et 9° symphonies font partie du cœur de son répertoire, il ne s'aventure que rarement dans les autres, qui semblent moins bien lui convenir. En définitive les compositeurs qu'il a le plus pratiqués, le plus exhaustivement et dans lesquels il est le plus reconnu sont Beethoven, Brahms, Wagner et peut-être Richard Strauss.
Concernant son style de direction, il appartient à une génération de chefs germaniques de culture et d'école mais influencés par quelques chefs latins, italiens surtout : tout particulièrement Toscanini et De Sabata. Par rapport à des chefs d'une génération antérieure, cela se traduit par des tempos plus stables et une plus grande transparence, tout en conservant un son orchestral de culture germanique, large et puissant. Même si le style de Karajan a évidemment évolué au cours de sa carrière, on peut dire que ces caractéristiques se sont maintenues, avec toutefois une prédilection croissante pour le legato et le son.
Natalie Dessay (de son vrai nom : Nathalie Dessaix) est une cantatrice française, née à Lyon le 19 avril 1965. C'est une soprane spécialisée dans les rôles de soprano léger et de soprano colorature dans l'opéra et l'opérette.
Natalie Dessay est connue pour ses talents de comédienne et son investissement scénique intense. Sa voix d'une grande facilité dans le suraigu durant la première partie de sa carrière (elle était capable de monter jusqu'au contre-la) lui a ouvert de nombreuses portes, dans des rôles secondaires mais spectaculaires comme Olympia des Contes d'Hoffmann ou la Reine de la Nuit dans La Flûte enchantée. Désormais, elle se consacre à des premiers rôles, plus longs et moins placés dans le haut de la tessiture.
Née aux Etats-Unis, c’est dans les chœurs religieux et scolaires que Barbara Hendricks commence à chanter, avant d’entreprendre des études scientifiques. A l’âge de 20 ans, après avoir obtenu une licence de mathématiques et de chimie à l’université du Nebraska, elle débute ses études musicales à la célèbre Juillard School of Music à New-York, où Maria Callas est l’une de ses professeurs.
Entre 1970 et 72, elle remporte de nombreux prix, qui la propulsent sur le devant de la scène. En 74, elle fait ses débuts sur la scène internationale, notamment à l’Opéra de San Francisco et en Europe, au Festival de Glynderbourne. Barbara Hendricks poursuit sa carrière, parcourant les plus prestigieuses scènes et les rôles les plus illustres, des classiques français aux chefs-d’œuvre italiens.
Elle fait ses débuts au cinéma dans le rôle de Mimi dans la Bohème de Comencini en 1988 et en 1999, elle est membre du Jury présidé par David Cronenberg au Festival de Cannes. Depuis 1987, Barbara Hendricks est engagée dans l’humanitaire : elle est ambassadrice des Nations Unies et s’active particulièrement pour la cause des réfugiés de guerre. Après 15 ans de lutte auprès du Haut Commissariat pour les Réfugiés, elle est nommée Ambassadrice honorifique à vie.
En 1986, elle reçoit la Croix du Commandeur des Arts et des Lettres remis par le gouvernement français et en 1993, François Mitterrand lui décerne la Légion d’honneur.
Au long de sa carrière, elle reçoit de nombreux prix prestigieux tant sur le plan artistique que pour ses activités dans l’humanitaire.
En 2008, Barbara Hendricks surprend : on la retrouve sur grand écran dans le drame d’ Amos Gitaï aux côtés de Juliette Binoche et Jeanne Moreau , Désengagement . Film pour lequel ses talents de chanteuses sont aussi mis en avant, puisqu’elle interprète certaines chansons de la bande originale.
Paul Tortelier, né le 21 mars 1914 à Paris et mort le 18 décembre 1990 à Chaussy, était un violoncelliste français réputé pour ses interprétations autant que pour ses qualités de pédagogue.
Tortelier est encouragé dès son plus jeune âge par ses parents à entreprendre l'étude du violoncelle. Son père, d'origine bretonne, menuisier de métier, jouait du violon et de la mandoline. Sa mère adorait le violoncelle et voulait faire de son fils un violoncelliste. Enfant doué, il entre à douze ans au Conservatoire de Paris dans la classe de Louis Feuillard puis de Gérard Hekking qui sera son véritable maître. Il obtient un premier prix quatre ans plus tard, à l'âge de 16 ans, et passe ensuite trois ans à apprendre l'harmonie avec Jean Gallon, apprentissage d'ailleurs couronné par l'obtention du premier prix d'harmonie en 1935.
Il entre par la suite dans l'orchestre Lamoureux avec lequel il se produit pour la première fois en soliste dans le Concerto pour violoncelle de Lalo. De 1935 à 1937, il fait partie de l'Orchestre philharmonique de Monte-Carlo qui est à l'époque dirigé par Arturo Toscanini et Bruno Walter. Richard Strauss vient diriger à Monte-Carlo son poème symphonique Don Quichote et c'est Tortelier qui joue le partie de violoncelle solo. Depuis lors, le nom de Tortelier est étroitement associé à cette œuvre ; il en donnera d'ailleurs au cours de sa vie de nombreuses représentations et enregistrements) . En 1939, invité par Serge Koussevitzky, il rejoint l'Orchestre symphonique de Boston comme 3e violoncelliste solo. Après la guerre, il revient en France où il est pendant deux ans (1945-1946) premier soliste à la Société des concerts du Conservatoire.
Ami, admirateur et disciple de Pablo Casals tout à la fois, il est invité par celui-ci en 1950 à être le principal violoncelliste du premier festival de Prades, pour la commémoration du 200e anniversaire de la mort de Bach. Cela contribue à le faire connaître et sa carrière de concertiste s'affirme. Tortelier, invité alors par de nombreux orchestres se produit sur les scènes du monde entier. Il forme aussi avec Arthur Rubinstein et Isaac Stern un trio resté célèbre.
Anne-Sophie Mutter est une violoniste allemande, née le 29 juin 1963 à Rheinfelden, dans le Bade-Wurtemberg.
Elle commence le piano à cinq ans, puis le violon peu après, et elle gagne dès sept ans le concours fédéral de la jeunesse musicale avec la mention d'excellence. Elle gagne le même concours une seconde fois en 1974, puis est dispensée d'obligation scolaire, ce qui lui permet de se consacrer pleinement à son art. Anne-Sophie Mutter va étudier avec Erna Honigberger, éleve de Carl Flesch, puis avec Aida Stucki.
À treize ans, elle est remarquée par Herbert von Karajan, qui la fait jouer avec l'Orchestre philharmonique de Berlin. Elle joue ensuite en 1977 au festival de Pâques et au festival d'été de Salzbourg puis en Angleterre avec le English Chamber Orchestra dirigé par Daniel Barenboim.
C'est en février 1978, à quatorze ans, qu'elle se produit pour la première fois en soliste avec l'Orchestre philharmonique de Berlin. Elle interprète le concerto pour violon et orchestre en sol majeur de Mozart. La même année, à quinze ans, elle fait son premier enregistrement pour la Deutsche Grammophon : les concertos n° 3 et 5 de Mozart avec l'Orchestre philharmonique de Berlin dirigé par Karajan, enregistrement qui se verra décerner le grand prix international du disque l'année suivante. Elle est nommée artiste de l'année 1979.
En 1980, Anne-Sophie Mutter fait sa première apparition aux États-Unis, avec l'Orchestre philharmonique de New York dirigé par Zubin Mehta. Elle gagne la même année le Regio-Preis fur Musik et un Maschera d'Argento.
En 1983, elle devient présidente honoraire de la Mozart Society de l'Université d'Oxford et en 1986, elle est décorée de l'Ordre du Mérite de RFA.
L'année 1988 est consacrée à une grande tournée aux États-Unis et au Canada et Anne-Sophie Mutter fait alors sa première apparition au Carnegie Hall. Elle est également nommée citoyenne d'honneur de Wehr.
En 1989, elle se marie avec Detlef Wunderlich, qui mourra en 1995 d'un cancer. En 1990, Anne-Sophie Mutter décide de prendre une année sabbatique. Arabella, son premier enfant, naît. Son deuxième enfant, Richard, naît en 1994.
En 1998, Anne-Sophie Mutter se consacre entièrement aux sonates pour piano et violon de Beethoven, qu'elle joue dans le monde entier avec Lambert Orkis. Ils enregistrent un disque en public, comprenant l'intégralité des sonates.
En 2002, elle se remarie avec le pianiste et chef d'orchestre américain André Previn dont elle divorce quatre ans plus tard, en 2006.
Anne-Sophie Mutter est très impliquée dans la musique actuelle, à la fois parce qu'elle compte de nombreuses pièces récentes dans son répertoire, dont elle est pour certaines la dédicataire, et par le soutien qu'elle apporte au jeunes solistes, notamment par l'intermédiare de la fondation Anne-Sophie Mutter, qui aide les jeunes du monde entier à débuter dans le métier.
Elle participe aussi à beaucoup d'œuvres de charité, et fait régulièrement des concerts de solidarité. Elle a par exemple reversé une partie des bénéfices d'une de ses tournées aux États-Unis à Classical Action: Performing Arts Against AIDS.
Anne-Sophie Mutter possède deux Stradivarius, l' Emiliani de 1703 et le Lord Dunraven de 1710 et également un violon du luthier contemporain bolognais Roberto Regazzi.
"C'est la révélation du siècle!" proclamait son bienfaiteur Herbert von Karajan.
Libera est un groupe vocal composé de garçons, dirigé par Robert Prizeman, dont le nom provient de leur chanson Libera, basée sur le Libera Me de la messe de Requiem. La plupart des garçons de Libera proviennent du chœur de la paroisse St. Philips de Norbury, au Sud de Londres.
Les albums, les tournées et les apparitions télévisées que les garçons font en tant que Libera s'ajoutent au service choral de la paroisse. Si leur nombre varie d'une année sur l'autre, Libera compte environ trente garçons de sept à seize ans, en comptant les nouveaux qui ne sont pas encore prêts à participer aux albums ou aux tournées. Dix-neuf garçons ont participé à la tournée américaine en 2008. Vingt-quatre garçons ont chanté pour leur dernier album, New Dawn.
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MERAKHAAZAN
Soundtrack (2008) 
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